Depuis le début des années 1990, la silhouette et la voix de Brigitte Lesne sont devenues familières aux amateurs de musique du Moyen Âge. Au sein des ensembles Discantus et Alla francesca, chacun des programmes proposés par cette musicienne, de l’Italie du Trecento au répertoire de Saint-Martial de Limoges, du Roman de la Rose à Tristan et Yseult, est une nouvelle occasion de découvertes et d’émotions. À l’occasion de la parution, il y a quelques semaines chez Æon, d’un nouveau disque consacré à Thibaut de Champagne, Brigitte Lesne a accepté de répondre à quelques questions pour les lecteurs de Passée des arts. Qu’elle en soit remerciée.

Photographie de Brigitte Lesne © Serge Vincenti

Passée des arts : Brigitte Lesne, vous êtes aujourd’hui une figure unanimement reconnue dans le domaine de la musique médiévale. Pourriez-vous nous parler des choix ou des rencontres qui vous ont conduite à vous intéresser à ce répertoire ? Quelles ont été les grandes étapes de votre parcours ?

Brigitte Lesne : Quand je repense à mon parcours musical, il me revient toujours à l’esprit le souvenir de deux professeurs, au collège et au lycée, qui m’ont particulièrement marquée : un professeur de musique, qui avait monté une chorale et un petit ensemble instrumental où j’adorais aller, et avec qui j’ai découvert le répertoire de la Renaissance, et un professeur de français, qui avait organisé un atelier théâtre avec qui nous avons préparé, durant toute une année, un spectacle sur Tristan et Yseult. C’est lui qui m’a fait écouter pour la première fois des musiques médiévales, et notamment des chansons de trouvères, chantées par le haute-contre Jean Belliard.

Plus tard, alors que je poursuivais des études de lettres hispaniques, d’autres rencontres, toutes dans le cadre d’académies d’été ou de stages, ont été décisives et m’ont donné le « virus » de la musique médiévale, parmi lesquels René Clemencic, directeur du Clemencic consort, auprès de qui j’ai découvert et pratiqué un très large éventail de répertoires médiévaux (ainsi que le plaisir de lire sur les notations originales !), un groupe aujourd'hui disparu de musiciens italiens, Alia Musica, avec lequel j’ai travaillé quelques années sur les répertoires hispaniques, et, enfin, le chanteur Dominique Vellard, directeur de l’Ensemble Gilles Binchois, et la musicologue Marie-Noël Colette. J’ai suivi l’enseignement de Dominique à la Scola Cantorum Basiliensis et j’ai fait partie de son ensemble pendant une dizaine d’années ; quant à Marie-Noël, spécialiste du répertoire grégorien, c’est elle qui m’a formée aux notations neumatiques et nous travaillons toujours ensemble aujourd’hui sur la majorité des programmes de l’ensemble Discantus.

P.d.a. : Vous avez créé Discantus en 1989, êtes cofondatrice d’Alla francesca, né quelques années plus tard, et vous vous produisez également souvent lors de récitals en solo. Pourriez-vous nous décrire la spécificité de chacune de ces configurations en termes de fonctionnement, de choix de répertoire et de décisions interprétatives ? Cette variété d’approches est-elle importante à vos yeux ?

B.L. : En réalité, Discantus et Alla francesca ont fait leurs tout premiers concerts en 1989 – et pour Alla francesca, les circonstances ont été particulièrement marquantes car nous avons eu la chance de participer à l’« année de la France en Inde » et de partir avec une centaine de musiciens et danseurs pour une série de concerts à Bombay, Delhi et Chandigarh. Les deux ensembles sont organisés en collectif au sein du Centre de musique médiévale de Paris, et chacun a, bien sûr, sa spécificité.

Discantus, formé de voix féminines, se consacre aux répertoires sacrés, depuis les premières notations neumatiques jusqu’au XV^e siècle. Je l'ai fondé et le dirige depuis sa création, construisant souvent les programmes, avec le travail de recherche que cela représente, avec le concours de Marie-Noël Colette et parfois avec d’autres musicologues, comme Susan Rankin, pour notre tout nouveau programme autour du Tropaire de Winchester (XI^e siècle). Rester fidèle aux choix esthétiques qui nous caractérisent, tout en cherchant toujours à avancer dans la compréhension de ces musiques et à acquérir plus de liberté dans cette signature sonore, est ma préoccupation. Mais au delà de ce rôle de direction, nos années d’expérience commune nous permettent aujourd’hui d’échanger et de réfléchir ensemble sur l’interprétation, ce qui me paraît essentiel à la cohésion du groupe.

Alla francesca, formation vocale et instrumentale, aborde principalement le répertoire profane, depuis les premières chansons notées, celles des troubadours, jusqu’à la frontière de la Renaissance : l’univers de la chanson, monodique et polyphonique, et celui des instruments, solistes ou accompagnateurs. Avec Pierre Hamon, nous assurons aujourd’hui la direction conjointe de l’ensemble. Chacun participe à l’élaboration des thèmes de recherche ; nous réunissons généralement beaucoup trop de musique… et décidons ensemble de ce qui composera finalement le programme. Il nous arrive également de suivre des chemins différents : comme le travail qu’a poursuivi Pierre sur les estampies italiennes (CD Istanpitta) et autour de Guillaume de Machaut, et comme le tout récent programme que je viens de monter sur le trouvère Thibaut de Champagne et le précédent sur le Ludus d’Adam de la Bassée. Nous nous associons de façon privilégiée à quelques musiciens – Vivabiancaluna Biffi, Carlo Rizzo, Michaël Grébil – avec lesquels nous sommes toujours à l’écoute de nouvelles propositions et à la recherche de nouvelles sonorités.

Quant au récital en solo, il est pour moi comme un défi, l’occasion d’aller au plus profond des émotions que je ressens dans ce répertoire, et de celles des femmes dont j’essaie de redessiner les visages.

A votre question sur l’importance de la variété d’approches que constituent ces diverses expériences musicales, je répondrai que je crois y trouver mon équilibre et que j’aurais bien du mal à concevoir Discantus sans Alla francesca. Il y a tant de richesse dans chacun des répertoires, sacré et profane, et encore tant de musiques à faire découvrir, qu’une vie n’y suffira pas…

P.d.a. : Les ensembles auxquels vous prenez part sont réunis au sein du Centre de musique médiévale de Paris (CmmP). Pourriez-vous nous expliquer le fonctionnement de cette institution ? Quel est son apport pour ce qui regarde vos activités, qu’il s’agisse des recherches musicologiques qu’elles nécessitent ou de l’enseignement et de la diffusion de votre travail ?

B.L. : Le Centre de musique médiévale de Paris n’est pas exactement une institution, c’est une structure associative, née autour de quelques passionnés, totalement indépendante et soumise à une certaine précarité malgré des subventions qui se pérennisent (DRAC, ville, SPEDIDAM…). Mais c’est une chance incroyable de travailler en synergie avec cette structure que coordonne Alain Genuys, parfois contre vents et marées, depuis de nombreuses années. Elle prend en charge à la fois la vie des ensembles – production, administration, communication – et l’organisation de nombreux cours et ateliers de pratique musicale à destination des adultes, tant professionnels qu’amateurs. Les moyens sont toujours insuffisants, et nous sommes parfois « sur le fil », mais toujours bien présents et actifs ! Je pense qu’il y a une interactivité essentielle entre la diffusion du travail des deux ensembles – concerts et enregistrements – et l’enseignement dispensé au Centre par un noyau de musiciens impliqués eux-mêmes dans ces ensembles.

P.d.a. : C’est avec Alla francesca que vous abordez aujourd’hui la musique d’un des plus grands trouvères français, Thibaut de Champagne (1201-1253). Quel est votre sentiment sur le personnage et son œuvre et quelles sont les raisons qui vous ont décidée à vous intéresser à lui ? Quels sont les critères qui ont présidé aux choix des pièces composant ce disque et à leur interprétation ?

B.L. : Tout d’abord, je crois que je peux dire que le répertoire des trouvères, parmi tous les répertoires médiévaux, est celui qui m’est le plus proche. La langue, bien sûr, l’ancêtre de notre français, et tout simplement, la « chanson » : juste une mélodie et un poème, à raconter, sans artifice. Ensuite, je voudrais souligner que cette recherche sur Thibaut de Champagne est née d’une rencontre, d'une belle aventure partagée. Tout a commencé par un mail, envoyé par la directrice d’une revue de poésie américaine, Paula Deitz, qui avait le projet d’écrire un livre sur Thibaut de Champagne et cherchait un ensemble de musique médiévale intéressé par l’œuvre de ce trouvère. S'en est suivi un rendez-vous et la certitude, tellement irréelle, qu’un projet commun allait aboutir. L’avenir l’a confirmé, grâce à la ténacité de Paula, et ce fut un vrai bonheur, l’occasion d’une immersion dans l'œuvre tout à fait remarquable du trouvère Thibaut, comte de Champagne et roi de Navarre. Une soixantaine de chansons, dans tous les genres de l’époque (chanson d’amour, pastourelle, tenson, chanson mariale), avec une véritable inspiration tant musicale que poétique, au point que Dante le place parmi les plus illustres trouvères de son temps… Difficile de choisir parmi son œuvre – j’ai longuement hésité sur plusieurs chansons « emblématiques » qu’il me semblait impossible de ne pas garder. Mais certains poèmes et certaines mélodies l’ont emporté, et la construction du programme, en fonction de l’effectif du groupe que nous formions (deux voix d’hommes, une voix de femme, une vièle, un luth/cistre et une harpe), s’est peu à peu imposée. Pour l’interprétation vocale, notre souci a été de rester simplement au service de Thibaut, fidèle donc au texte et à sa mélodie dans la seule version du « Manuscrit du roi » ; pour l’accompagnement, il a été passionnant de travailler sur les différentes couleurs instrumentales, tant les caractères entre les chansons sont contrastés.

P.d.a. : Vos activités vous conduisent naturellement à être une observatrice privilégiée dans votre domaine. Quel regard portez-vous sur l’évolution de l’interprétation de la musique médiévale et sa réception par le public durant ces vingt dernières années ? En un temps marqué par un certain penchant pour la facilité, comment envisagez-vous l’avenir pour ce répertoire réputé difficile ?

B.L. : Beaucoup d’ensembles de musique médiévale se sont effectivement créés depuis une vingtaine d’années, avec des approches très différentes : certains plus « musicologiques », d’autres dans une mouvance de répertoires « croisés », ou bien encore plus volontairement tournés vers les musiques dites « traditionnelles ». Y a-t-il un droit chemin ? Nous apportons notre pierre à l’édifice, avec nos convictions. Il y a aujourd’hui, en tout cas, beaucoup plus de possibilités de formation pour les jeunes musiciens qui s’intéressent aux répertoires anciens (universités, conservatoires, stages), et toutes les grandes bibliothèques européennes sont en train de numériser leurs collections de manuscrits, ce qui va rendre l’accès aux sources de plus en plus facile. Mais le marché du disque s’effondre, internet « donne » tout à entendre, le meilleur comme le pire, et la culture n’est pas la priorité de nos politiques. Beaucoup de festivals composés de petites équipes de bénévoles font un travail remarquable pour organiser des concerts et parviennent à mobiliser leur public ; cependant, ils voient leurs aides fondre comme neige au soleil et ne peuvent tenir le coup. Je préfère laisser la porte ouverte aux conjectures sur l’avenir de la musique médiévale – mais je crains que cela ne soit pas simple pour les générations à venir…

P.d.a. : De nombreux pans du legs musical du Moyen Âge restent encore largement à explorer, qu’il s’agisse des plus anciens (paléochrétien, grégorien, etc.) ou des plus récents (XV^e siècle, hors des « grandes » figures comme Dufay). Quelles sont envies et vos projets pour les années qui viennent ?

B.L. : En effet, le legs musical du Moyen Âge est encore largement à explorer, sans compter les manuscrits inédits, perdus ou cachés, qui sont encore à découvrir !

Avec Discantus, je voudrais que nous approfondissions notre travail sur les polyphonies sacrées de Binchois – notre programme le plus « tardif » – que nous n’avons malheureusement pas beaucoup donné en concert, et nous sommes en train de revenir aux sources de la polyphonie, avec la restitution des compositions du Tropaire de Winchester (XI^e siècle), ce qui nous occupera encore un moment, d’autant que, grande première pour l’ensemble, nous avons intégré deux pièces contemporaines au projet (commande à deux jeunes compositeurs). Quant à Alla francesca, j’espère déjà faire vivre notre nouveauté, le programme Thibaut de Champagne. Notre nouvel axe de recherches avec Pierre Hamon concerne les chansons de troubadours et leur versant instrumental complètement à recréer (en proposant à un jongleur de s’y associer). Enfin, j’avance en ce moment dans la « modernité » (fin XV^e et début XVI^e) avec deux beaux projets très motivants : sur l’idée de Vivabiancaluna Biffi et avec la chanteuse Hélène Decarpignies, nous travaillons en trio sur le répertoire de la frottola italienne, et sur une idée du flûtiste Pierre Boragno, en duo, sur le Chansonnier de Bayeux. De nouveaux chemins, vers de nouvelles musiques …

Propos recueillis par Jean-Christophe Pucek en octobre 2012.

Accompagnement musical :

1. Thibaut de Champagne (1201-1253), L'autrier par la matinee, pastourelle

Pierre Bourhis & Brigitte Lesne, chant
Alla francesca
Brigitte Lesne, direction

Le Chansonnier du roi, amour courtois et chevalerie au XIIIe siècle. 1 CD Æon AECD 1221. Ce disque peut être acheté en suivant ce lien.

2. Hildegard von Bingen (1098-1179), Favus distillans Ursula virgo, répons

Discantus
Brigitte Lesne, direction

Hortus Deliciarum, chants grégoriens du XIIe siècle. 1 CD Opus 111 OPS 30-390. Ce disque peut être acheté en suivant ce lien.

3. Tierche estampie royale

Alla francesca
Pierre Hamon & Brigitte Lesne, direction

Sur la terre comme au ciel, un jardin au Moyen Âge. 1 CD Éditions Jade 198 796-2. Ce disque peut être acheté en suivant ce lien.

4. Gilles Binchois (c.1400-1460), Salve sancta parens, introït

Discantus
Brigitte Lesne, direction

L'argument de beauté, polyphonies, plan-chant, carols. 1 CD Æon AECD 1096. Ce disque peut être acheté en suivant ce lien.

5. J'ai pris amours, chanson anonyme (Ms. 2973 de la collection Rothschild de la Bibliothèque nationale de France, c.1470)

Raphaël Boulay, voix
Alla francesca
Pierre Hamon & Brigitte Lesne, direction

Armes Amours, chansons des XIV^e et XV^e siècles. 1 CD Opus 111 OPS 30-221. À rééditer.

Illustrations complémentaires :

Maître anonyme, Nord de la France (Arras ?), c.1175, Initiale historiée B d'un Psautier contenant les Gloses d'Anselme de Laon (c.1030/1050-1117). Enluminure sur parchemin, Manuscrit KB 76 E 11, f.2r, La Haye, Koninklijke Bibliotheek

Attribué à Maître François, Paris, entre 1473 et c.1480, Trio de musiciens, in Valerius Maximus, Les Fais et les Dis des Romains et de autres gens (traduction de Simon de Hesdin et Nicholas de Gonesse), Enluminure sur parchemin, Manuscrit Harley 4375, folio 151v, Londres, British Library

Maître anonyme, Lorraine ou Paris, c.1290, La pénitence, la dévotion et la contemplation, in Pierre de Blois et autres, Livres de l'estat de l'ame. Enluminure sur parchemin, Manuscrit Yates Thompson 11, f.29, Londres, British Library

Sincères remerciements à Alain Genuys.

Depuis la rentrée 2011, Marc Dumont produit et anime Horizons chimériques, un rendez-vous quotidien diffusé par France Musique du lundi au vendredi entre 16h et 16h55, dont le propos est de faire voyager l’auditeur en musique autour d’un thème, d’un interprète ou d’un événement culturel (concert, exposition, etc.). À l’occasion du lancement de la nouvelle saison radiophonique, Marc Dumont a bien voulu entretenir les lecteurs de Passée des arts de son parcours, de son émission et leur faire partager le regard qu’il porte sur l’évolution de son métier et de la place accordée à la musique dans notre société.

Passée des arts : Marc Dumont, si votre voix est familière aux auditeurs de France Musique, ils n’ont pas obligatoirement connaissance du parcours qui a été le vôtre. Pourriez-vous nous en rappeler les grandes étapes et nous expliquer, notamment, comment l’historien de formation que vous êtes en est venu à se consacrer ainsi à la musique ?

Marc Dumont : Je dirai plutôt : « me consacrer à la radio » car c’est ainsi que j’ai vécu le passage. J’ai effectivement enseigné l’Histoire, pendant quatorze ans, dont dix à Aubervilliers – ce qui fut d’ailleurs ma plus riche expérience humaine. Mais dès le début de ma carrière, j’ai goûté au micro sur une radio privée, TSF 93, où j’ai produit une émission hebdomadaire qui s’appelait Chansons aux pommes, mêlant Histoire et chansons. Puis je suis entré à Radio Bleue sur la base d’une émission hebdomadaire du même genre, Chansons Témoins, qui m’a permis, grâce aux archives de l’INA, un travail radiophonique différent, plus en profondeur, plus fort et original. Cela a duré 15 ans ! Quant à l’autre musique, la « classique », ce qui s’est passé est plutôt drôle. Depuis mon adolescence, ces musiques-là et l’Histoire sont mes deux passions et mes premières armes radiophoniques dans ce domaine ont été plutôt inattendues. C’était à TSF, où il n’y avait pas d’émission de musique classique, mais où existait, tout à côté, un « petit » festival, à Saint-Denis, où venaient Jessye Norman, Barbara Hendricks, Wolfgang Sawallisch, Kurt Masur et quelques autres comme Ozawa. Ce furent mes premières interviews, y compris celle d’un jeune inconnu nommé Esa-Pekka Salonen, juste avant son premier concert en France : une impressionnante 5^e de Sibelius. J’ai ensuite proposé des idées d’émissions à Radio Bleue (Place de l’opéra ou Bleu classique) et à France Culture. Ma chance a été de pouvoir passer près de dix ans au programme musical de France Culture, avec des séries multiples comme Euphonia, et d’y faire un apprentissage en profondeur de toutes les formes possibles de radio. Ce fut une période géniale, excitante, d’une totale liberté, entre entretiens, reportages, direct, semi-direct pour des sujets transversaux mêlant musiques, littérature, histoire, psychanalyse : un vrai laboratoire quotidien agitateur d’idées et de formes radiophoniques. Ensuite est venu le temps de France Musique avec des centaines de concerts, d’émissions comme Présentez la facture, Grands Compositeurs ou Les Visiteurs d’Histoire, et toujours ce désir de transmission, de partage de la musique et des musiciens, ce désir de radio.

 P.d.a. : Aujourd’hui, hors des médias spécialisés, la musique dite « classique » a presque disparu des programmes des télévisions comme des radios généralistes, devant se contenter d’une portion de plus en plus congrue dans la presse. Quel regard l’observateur privilégié que vous êtes porte-t-il sur cette évolution ? Vous semble-t-elle inéluctable ?

M.D. : Il y a quelques semaines, on apprenait qu’une ville belge allait diffuser de la musique « classique » dans un parc de la ville pour faire fuir les jeunes qui y traînent, une affaire qui rappelle qu’il y a une quinzaine d’années, le métro londonien avait fait diffuser de la musique « ennuyeuse » (du Delius !) dans le même but. C’est consternant et dit tant sur notre société de l’instant, cloisonnée. C’est bien connu, « le classique c’est une musique de vieux », même si, a contrario, Jean-Christophe Spinosi et son ensemble Mattheus se sont produits fin juillet au Festival des Vieilles Charrues et ont fait un tabac devant des milliers de (jeunes) personnes.

Alors ? En fait, il faudrait un livre et plusieurs volumes pour répondre à votre question. Une mission du nouveau Ministère de la Culture ne serait peut-être pas inutile, non pas pour enterrer le problème, mais bien – enfin – pour le poser. Je pense qu’il est difficile de répondre à cela sans porter un regard beaucoup plus général sur la place des arts dans la société, à commencer par l’enseignement artistique, car c’est là que tout se joue, et sur le poids, le rôle des médias – en excluant Radio France, qui fait tout son travail dans ce domaine ! Rien n’est inéluctable, même une dictature, à commencer par celle des sondages et de l’audimat…

J’aurais envie d’évoquer un souvenir personnel : enseignant en 1995, j’avais organisé un travail interdisciplinaire (français, anglais, histoire) autour de Lady Macbeth de Chostakovitch, qui devait se donner à l’Opéra Bastille. On avait commencé par me rire au nez – genre « Chosta pour des élèves du 9-3 qui n’ont jamais mis les pieds au concert » –, pourtant tout le monde s’est pris au jeu. Les deux classes concernées ont été fascinées par le sujet comme par les métiers de la scène (nous avons pu assister aux répétitions, voir les décors, discuter avec les gens en charge des costumes, les artistes…) Avec mes collègues, nous avons vu briller les yeux de certains élèves comme lorsque des gamins découvrent quelque chose de vraiment beau et dont le souvenir les marquera toute leur vie. Je sais trop que cet exemple personnel peut être multiplié par cent, mille et plus, grâce au travail passionné de milliers de professeurs, rencontrant les artistes grâce à des structures qui se sont développées, particulièrement ces deux dernières décennies. Alors, il faut souhaiter, et même exiger, que ce travail de fond ne soit aucunement remis en cause par je ne sais quelle austérité aveugle imposée partout (voir en ce moment les ravages sur la vie musicale allemande et les projets pédagogiques de ce type.) Il faut le développer, comme il faut faire valoir auprès des décideurs audiovisuels combien l’art est plus essentiel que jamais, au moment des crises économiques majeures. L’art – et non le commerce d’émissions avilissantes. Vaste programme, d'autant que se profile déjà un budget en forte compression pour l'audiovisuel public en 2013.

P.d.a. : Venons-en maintenant à Horizons chimériques. Quel a été votre propos en créant ce rendez-vous quotidien et quelles grandes lignes directrices donnez-vous à votre travail ? Quelles adaptations ont-elle été nécessaires pour vous accommoder du format contraint de 55 minutes d’antenne ?

M.D. : Derrière votre question, je sens une relation avec l’émission que je produisais les trois saisons précédentes, Grands Compositeurs, qui durait une heure et demie et même deux heures la troisième saison – une demi-heure supplémentaire m’avait été octroyée sans même que j’en formule le souhait ! C’est vrai que ce format réduit m’a posé beaucoup de questions en amont. D’autant que l’émission m’a été confiée avec comme cahier des charges de faire Grands Compositeurs et Grandes Figures (soit quatre heures d’antenne) en moins d’une heure. Plus qu’une gageure, une sorte de M.I. version France Mu… J’ai donc choisi de proposer un thème différent chaque jour ou, au plus, deux émissions autour d’un même thème. Dans un tel format, il y a, par ailleurs, moins de place pour des œuvres intégrales, le choix des partitions est donc encore plus ciblé. Alors, Horizons : Mission Impossible ? Ce n’est pas à moi de répondre, mais à l’auditeur.

P.d.a. : Lorsque l’on écoute Horizons chimériques, l’impression qui domine est celle d’une fluidité et d’une sobriété qui fait largement oublier le travail que représente la réalisation d’une telle émission. Pourriez-vous lever un coin du voile sur son élaboration en termes, par exemple, de choix des thèmes et des disques proposés, ou de conception de vos interventions à l’antenne ?

M.D. : Dans d’autres circonstances, La Fontaine aimait à répéter « Diversité, c’est ma devise » ; c’est un peu celle des Horizons, celle que j’essaie de faire vivre au micro en changeant non seulement les thèmes, mais aussi le rythme et si possible le style d’une émission à l’autre. Je mise sur la diversité des interventions, jamais longues, parfois très courtes, ainsi que sur mon envie constante de raconter une histoire, de suivre un fil, de donner à entendre, sachant que c’est le sujet du jour qui dicte l’histoire brossée en forme de portrait kaléidoscope, passant des tubes aux incunables. Le jeu sur la diversité et la multiplicité qui préside au travail de préparation est réellement excitant : d’un côté, le changement quotidien de sujet en fonction de tel opéra à l’affiche, tel anniversaire de compositeur, tel récital de soliste, tel festival ou partenariat France Musique, et de l’autre la possibilité de ménager des moments hors du temps.

Je tiens également beaucoup à un certain équilibre des genres : musiques baroques, classiques, romantiques, médiévales aussi, interprètes et enregistrements d’hier ou d’aujourd’hui. J’essaye d’aborder chacun de ces Horizons comme un chemin, avec l’envie de surprendre en jouant sur les rythmes, tant musicaux que radiophoniques, de frayer avec une discographie en trouvant des pépites. Sur ce dernier point, le fait de suivre depuis maintenant près de quarante ans, avec attention et gourmandise, les parutions discographiques m’aide un peu et m’autorise à varier les climats et les interprétations ; par exemple, en préparant un opus sur Palestrina comme sur Wagner, j’essaie de choisir des enregistrements qui permettent d’entendre des options différentes, des styles, des évolutions, et ce sur plusieurs décennies de discographie. C’est absolument passionnant à mijoter.

L’important, l’essentiel, en bout de chaîne (radiophonique) c’est bien que ce travail, cette cuisine ne se sente pas. Alors votre idée de fluidité me plait, car c’est le but sans cesse recherché.

P.d.a. : L’absence d’afféterie et la convivialité qui sont la marque de vos émissions en font des rendez-vous appréciés, y compris d’auditeurs écoutant d’habitude peu France Musique. Avez-vous une vision précise de votre auditoire et quel est le poids de ses retours sur votre travail ? Plus globalement, pensez-vous que la musique dite « classique » est proposée au public de la façon la plus adéquate, en termes de répertoire et d’accompagnement, par ceux qui sont chargés de la promouvoir ?

M.D. : Merci pour la convivialité et l’absence d’afféterie ! Cela correspond à une éthique et à ce désir de partage dont je parlais. Je souhaite juste que les auditeurs s’y trouvent et retrouvent bien. Mais en dehors de multiples courriels reçus qui vont dans ce sens, je ne sais rien de la réalité de l’auditoire. Qui, quand, comment, pourquoi ? Personne n’a jamais pu sonder les reins et les cœurs. Toutes choses égales par ailleurs, il me semble que nous sommes derrière notre micro comme un créateur devant sa page blanche, sa toile ou sa partition. Nous ne savons pas ce qu’attend le public – mais nous sentons ce que nous désirons communiquer – y compris à notre insu. C’est bien là la différence fondamentale entre une radio de l’offre comme France Musique et une radio de flux. Quant à la deuxième partie de votre question, il faudrait une année de votre blog pour y répondre, à plusieurs voix. J’ai d’ailleurs le sentiment que la façon dont vous posez le problème induit une réponse plutôt négative. On peut effectivement avoir ce sentiment, mais tout dépend de quoi nous parlons. Il me semble avant tout qu’il manque un décloisonnement. Nous avons deux chaînes thématiques « classiques » sur nos postes de radio, sans oublier les programmes de Radio Notre Dame ou Fréquence Protestante qui font une vraie place à ce répertoire. Mais ailleurs, où est le classique ? Les radios généralistes sont devenues pratiquement hermétiques au mélange des genres et quant aux radios thématiques, leur nom parle de lui-même. Sur internet, tous les mondes musicaux sont à portée d’oreille, de façon là aussi thématique. Et la télévision ? Le bilan est plutôt sinistre. Repensons à la promesse de Patrick Le Lay, au moment de la privatisation de TF1 : oui à la culture, à l’opéra et au classique en prime-time. On connaît le résultat : quelques concerts en boucle à trois heures du matin… La musique à la télé, c’est Lost story. Il paraît qu’il faut sans cesse divertir ; je préfère en revenir encore à mon cher La Fontaine : « Instruire et plaire », les deux devraient toujours faire la paire. C’est tout à fait possible. Sans racolage. Depuis une trentaine d’années, les responsables audiovisuels ont une très lourde responsabilité : culturelle, politique, idéologique. Ce sont des choix. A voir les Conservatoires partout pris d’assaut, on se dit que tout pourrait être possible, avec une volonté qui regarde vers le haut, vers le beau. Cela passe par les médias ; cela passe par l’éducation artistique à l’école. Autres vastes chantiers…

P.d.a. : France Musique lance aujourd’hui sa nouvelle grille de programmes. Avez-vous des projets précis, par exemple en termes de thématiques, pour cette nouvelle saison d’Horizons chimériques et en dehors de cette émission ?

M.D. : Assurer une émission quotidienne ne laisse que peu de temps pour autre chose, c’est en tout cas ainsi que je fonctionne depuis cinq années maintenant, particulièrement avec les Horizons, qui nécessitent aussi de réagir à chaud en cas de décès comme ce fut le cas pour Montserrat Figueras, Gustav Leonhardt, Maurice André, Dietrich Fischer-Dieskau ou tant d’autres artistes cette saison. Au quotidien, il faut anticiper les sujets à venir, préparer l’émission du jour, écouter beaucoup, lire aussi, se tenir au courant de l’actualité musicale, mais aussi répondre aux auditeurs via le site internet, mis à jour pendant l’émission. Quant aux thématiques à venir, oui, je sais déjà où je vais vous mener. Alors, rendez-vous à partir de ce lundi 3 septembre, avec une chanteuse que j’adore : Simone Kermes, totalement, follement baroque !

Propos recueillis par Jean-Christophe Pucek en août 2012.

Le site de l’émission Horizons Chimériques est accessible en suivant ce lien.

Horizons musicaux choisis par Marc Dumont :

1. Jean-Philippe Rameau (1683-1764), Naïs (1749) : Ouverture

Ausonia
Frédérick Haas, clavecin & direction

Que les mortels servent de modèle aux dieux… 1 CD Alpha 142. Ce disque peut être acheté en suivant ce lien.

2. Johann Adolf Hasse (1699-1783), L’Olimpiade, opéra en 3 actes (1756, livret de Pietro Metastasio) : « Consola il genitore » (Licida)

Simone Kermes, soprano
Davide Pozzi, clavecin
La Magnifica Comunità
Isabella Longo, premier violon

Dramma. 1 CD Sony 88691963952. Ce disque peut être acheté en suivant ce lien.

3. Frédéric Chopin (1810-1848), Fantaisie-Impromptu en ut dièse mineur, op. posth. 66, enregistrée lors d’un récital donné le 21 février 1948

Raul Koczalski, piano Pleyel 1847

Historical live recordings. 1 CD Narodowy Instytut Fryderyka Chopina NIFCCD 000. Ce disque peut être acheté en suivant ce lien.

4. Franz Schubert (1797-1828), Nacht und Träume, Lied D. 827 (1825, texte de Matthäus von Collin)

Matthias Goerne, baryton
Alexander Schmalcz, piano

Nacht und Träume (anthologie des Lieder de Schubert, volume 5). 1 CD Harmonia Mundi HMC 902063. Ce disque peut être acheté en suivant ce lien.

Horizons picturaux :

Joachim Patenier (Dinant, c.1480-Anvers, 1524), Le Passage Du Styx, c.1515-24. Huile sur bois, 64 x 103 cm, Madrid, Musée du Prado

Jan van Huysum (Amsterdam, 1682-1749), Paysage arcadien aux pêcheurs, sans date. Huile sur toile, 57 x 68 cm, Amsterdam, Rijksmuseum

Joseph Mallord William Turner (Londres, 1775-Chelsea, 1851), Voilier approchant de la côte, c.1840-45. Huile sur toile, 102,2 x 142,2 cm, Londres, Tate Gallery

Achille Laugé (Arzens, Aude, 1861-Cailhau, Aude, 1944), Route bordée de genêts, 1931. Huile sur carton, 53 x 73 cm, Montpellier, Musée Fabre (cliché © Musée Fabre – Montpellier Agglomération / F. Jaulmes)

Dix-huit ans, bel âge où aux rêves de la jeunesse s’ajoutent les nouvelles possibilités qu’apporte l’arrivée de la majorité, ouvrant ainsi le temps des conquêtes. Dix-huit ans, c’est l’âge du Festival Musique et Mémoire qui, depuis 1994, fait résonner la musique baroque au cœur des paysages et des lieux patrimoniaux des Vosges Saônoises. Quelques semaines avant l’ouverture de sa nouvelle édition, qui se déroulera, durant trois week-ends, du 13 au 29 juillet 2012, Fabrice Creux, son directeur artistique, nous présente ce rendez-vous aussi singulier qu’authentique.

Passée des arts : Fabrice Creux, pourriez-vous nous retracer brièvement votre parcours personnel, les raisons qui vous ont conduit à créer le Festival Musique et Mémoire et les grandes étapes de son évolution jusqu’à ce jour ?

Fabrice Creux : Le festival Musique et Mémoire résulte d’un double parcours. Étudiant en Histoire, j’ai suivi un cursus de formation en orgue auprès de Jean-Charles Ablitzer au conservatoire de Belfort et l’enseignement dispensé par ce grand musicien a été particulièrement décisif dans la naissance de ma passion pour la musique ancienne. La réunion de ces deux centres d’intérêt, conjuguée à l’envie de mettre en valeur le patrimoine architectural de ma région, a été déterminante dans mon désir de créer une manifestation qui les associerait étroitement.

Comme beaucoup d’aventures identiques, Musique et Mémoire a démarré modestement, mais avec une foi inébranlable et une force qui est d’avoir lié le festival à une démarche de développement local. Certes, l’argument culturel était essentiel, mais l’inscrire dans un processus plus large de valorisation d’un territoire aux richesses historiques innombrables a été un puissant vecteur d’adhésion auprès des élus locaux comme du public. Le festival a été marqué, dès le départ, par une série d’actes artistiques forts comme, par exemple, des Leçons de ténèbres de François Couperin données à 5 heures du matin dans une chapelle perdue dans la montagne, puis, en partant de ces premières expériences, le propos artistique s’est élaboré avec l’ouverture progressive à la musique contemporaine (politique régulière de commandes musicales) et au croisement des disciplines artistiques. Convaincu que les musiques et les expressions artistiques ne sont pas séparées (nous dirions aujourd’hui cloisonnées), ni par le temps, ni par le style, si l’on veut bien ressentir ce qu’elles ont de fondamental, le festival Musique et mémoire s’attache également à démontrer, qu’au-delà des différences stylistiques, les arts vivants ont tous des affinités de mode de fonctionnement.

Un autre élément essentiel de notre  projet a été la mise en œuvre, dès 2004, des premiers dispositifs d’accompagnement artistique permettant d’offrir à des ensembles et des artistes porteurs de démarches originales les espaces de travail, d’expérimentation et de création nécessaires tant à leur développement qu’au renouvellement des répertoires et des pratiques. En complément des résidences ponctuelles, inscrites dans la période festivalière, Musique et Mémoire a engagé deux compagnonnages artistiques avec l’Ensemble 415 de Chiara Banchini (2007-2010) et l’organiste Jean-Charles Ablitzer (depuis 2005), dispositifs qui permettent d’accompagner dans la durée des artistes d’excellence, implantés en région Franche-Comté ou non, mais porteurs de démarches fortes (productions originales, réalisations discographiques, recherches musicales, etc.) et dont l’ensemble Correspondances, dirigé par Sébastien Daucé, bénéficie depuis 2011 pour une durée de trois ans. De mon point de vue, ce dernier figure parmi les plus intéressants de la nouvelle scène baroque à la fois par sa cohérence et son identité sonore, mais aussi par l’audace de ses choix artistiques fondés sur un important travail de recherche sur le mélange des timbres et les couleurs sonores qui apportent une grande force à la musique française du XVII^e siècle.

P.d.A. : Les mots qui viennent le plus naturellement à l’esprit pour qualifier le festival sont ceux de fidélité, d’exigence et de convivialité, fidélité à votre région comme aux musiciens que vous invitez, exigence d’une programmation qui ne cède pas aux sirènes des modes, convivialité entre le public et les artistes auxquels maintes possibilités d’échanger sont offertes. Ces trois mots vous semblent-ils une juste définition du projet culturel, au sens large, de Musique et Mémoire ?

F.C. : Effectivement, ces trois mots sont particulièrement révélateurs de l’identité de Musique et Mémoire car cet événement, comme tous ceux qui s’inscrivent dans la durée, est d’abord et avant tout une aventure humaine fondée sur la rencontre, la fidélité et la confiance. Le festival s’est taillé une identité forte dans le paysage des manifestations dédiées à la musique ancienne et il demeure fortement lié au territoire, un point qui me semble fondamental. En effet, je ne crois pas qu’une telle aventure en milieu rural soit véritablement possible et puisse s’inscrire dans la durée sans un ancrage fort. En même temps, elle doit être porteuse d’une ouverture sur l’extérieur et s’inscrire totalement dans la mosaïque des cultures d’aujourd’hui. J’écrivais d’ailleurs il y a quelques années : « Pour que la réhabilitation du local ne soit pas le prétexte à un repli identitaire, il est indispensable de souligner sa capacité à être universel. C’est cette idée que défend le festival Musique et Mémoire ».

Festival « laboratoire » porté par une haute exigence artistique, Musique et Mémoire a d’autres secrets que la seule passion pour l’objet artistique qu’il défend, et qui tiennent, pour l’essentiel, à un espace protégé et privilégié grâce auquel nous pouvons oser le risque, l’expérimental et le défrichement. Ce sont d’ailleurs ces « ingrédients » que le public vient chercher : il sait qu’à Musique et Mémoire la relation aux artistes est « directe » grâce, entre autres, à des rencontres ou à des répétitions commentées. L’exigence artistique que nous essayons de porter nécessite une véritable relation de confiance avec le public et, à cet égard, sa fidélité et sa constance sont de véritables stimulants.

P.d.A. : Un des axes forts de l’action que vous menez est d’encourager la création de nouveaux programmes, comportant souvent des œuvres rares voire inédites. Au moment où l’on assiste à une certaine uniformisation du goût au travers de la surexposition de certains genres et compositeurs – l’opéra et Vivaldi ou Händel, pour résumer -, n’est-il pas difficile de convaincre public et soutiens de la validité de ces choix, aussi courageux soient-ils ?

F.C. : L’ambition de créer des programmes proposant des répertoires souvent méconnus ou oubliés, qui est au cœur même du projet artistique du festival depuis sa création, éloigne forcément des modes ; elle a cependant, au fil du temps, suscité une véritable adhésion du public et continue à être un élément moteur de son attention à nos propositions. Il sait, en effet, qu’il va trouver chez nous ces propositions totalement inédites qui font le « sel » d’une programmation. Bien évidemment, le public a besoin d’être accompagné pour profiter pleinement des découvertes que nous lui offrons ; c’est la raison pour laquelle, comme nous l’avons dit auparavant, chaque projet comprend un volet d’actions culturelles permettant à chacun d’entrer dans l’atelier des musiciens.

Nous avons la chance que nos soutiens institutionnels et privés aient toujours pleinement partagé notre ambition. Là aussi, c’est le fruit d’un dialogue permanent pour expliquer nos démarches. Un travail comme celui que nous portons depuis 1994 est avant tout fondé sur des enjeux communs, notamment celui d’apporter une plus value par l’action culturelle au territoire. A ce titre, nous sommes très attachés à l’idée que le festival soit aussi le moyen de mettre en synergie les ressources locales et agisse comme un fort vecteur de lien social.

P.d.A. : Outre Correspondances, en résidence permanente à Musique et Mémoire pour la période 2011-2013, l’édition 2012 permettra de retrouver Il Ballo et Vox Luminis. Pourriez-vous nous expliquer les raisons qui vous ont poussé à faire confiance à ces trois ensembles et nous donner une idée des programmes qu’ils vont défendre en juillet prochain ?

F.C. : À la fin de l’édition 2010, j’ai ressenti le besoin impérieux de repenser le projet artistique du festival en m’appuyant sur l’ensemble des expériences accumulées depuis sa création et en revenant précisément aux répertoires fondamentaux de la musique baroque ; en effet, j’avais observé que les programmateurs délaissaient trop souvent les œuvres qui en constituent l’essence, notamment chambristes et solistes. C’est la raison pour laquelle j’ai décidé de créer pour ces musiques un espace de diffusion clairement identifié.

Sur la base d’un principe simple, que l’on pourrait résumer à la formule « trois ensembles, trois résidences créatives, trois  projets artistiques », je choisis donc des ensembles portés par un véritable esprit de troupe et démontrant une réelle capacité à défendre un projet artistique fort et singulier. Cette orientation peut sembler radicale aux yeux de certains, mais elle a au moins le mérite, à mes yeux, de montrer clairement notre engagement au service du développement des musiques anciennes. Aujourd’hui, nous sommes plus particulièrement investis dans un travail de reconnaissance et de soutien à la nouvelle scène baroque, porteuse d’une énergie créatrice exceptionnelle. Ainsi, l’édition 2012 s’articulera autour de trois jeunes ensembles choisis chacun pour ses qualités spécifiques. L’Ensemble Correspondances proposera, du 19 au 22 juillet, un parcours thématique autour des femmes fortes du Grand Siècle où il pourra démontrer une nouvelle fois les profondes affinités, soulignées par toute la critique, qu’il entretient avec le répertoire sacré français du XVII^e siècle, tandis qu’Il Ballo aura précédemment entraîné, du 13 au 16 juillet, les spectateurs dans l’Italie de la fin de la Renaissance et du premier Baroque, période foisonnante et féconde en innovations tant dans le domaine instrumental que vocal, et que Vox Luminis, récemment récompensé par un prix international pour son travail sur Schütz, clora le festival, du 26 au 29 juillet, en proposant un fascinant voyage qui mettra en lumière les liens unissant l’Allemagne et l’Italie, d’Allegri à Johann Sebastian Bach.

P.d.A. : Vous avez, par le passé, ouvert la programmation du Festival à des répertoires antérieurs au Baroque, notamment la musique médiévale. Envisagez-vous de renouveler ce type d’expérience en incluant, outre celui du Moyen Âge, le répertoire de la Renaissance, ou celui des périodes préclassique ou classique ?

F.C. : Je ne renonce absolument pas à revenir à des répertoires antérieurs ou postérieurs à l’époque baroque mais, pour autant, il me semble important de poursuivre, en l’approfondissant, l’orientation artistique actuelle. Cette démarche ne peut cependant pas s’affranchir d’une mise en perspective permanente avec l’évolution de l’histoire de la musique ; c’est une des raisons de la programmation, cet été, de l’ensemble Il Ballo qui met en lumière ce moment essentiel qu’est la transition de la Renaissance au Baroque.

Plus globalement, je ne m’interdis rien, surtout pas de faire des choix, et je suis convaincu que Musique et Mémoire a encore beaucoup de choses à apporter à la connaissance des répertoires et des pratiques de la période baroque, raison pour laquelle nous allons garder le cap actuel un certain temps encore.

P.d.A. : Des festivals ont aujourd’hui développé des partenariats avec des radios musicales qui diffusent certains de leurs concerts, d’autres ont investi dans des enregistrements discographiques permettant d’immortaliser quelques-uns de leurs programmes. De telles possibilités vous semblent-elle envisageables, dans un futur proche, pour Musique et Mémoire ? Comment envisagez-vous le développement du festival dans les années à venir ?

F.C. : Nous n’avons pas, à ce jour, construit de partenariats avec des radios musicales. Il est vrai que c’est un point auquel nous devrons nous intéresser de près dans les années à venir car il est indispensable pour mettre encore davantage en lumière le travail de recherche et de création suscité par Musique et Mémoire.

En revanche, même si ses publications ne reprennent pas systématiquement les programmes donnés dans le cadre du festival, nous avons souhaité créer le label discographique Musique et Mémoire productions (www.musetmemoire-prod.com), qui limite son activité éditoriale à des projets précis résultant d’un long et exigeant travail de recherche, menés par des artistes porteurs de démarches essentielles pour la connaissance des musiques anciennes et de leur pratique. Nourrie par un travail éditorial inspiré de l’artisanat d’art, chaque disque est richement mis en scène afin de rechercher la meilleure adéquation entre la réalisation musicale et l’objet qui la porte. Nous avons actuellement publié deux enregistrements de l’organiste Jean-Charles Ablitzer qui a consacré une part importante de ses recherches récentes à la connaissance de l’œuvre d’orgue de Michael Praetorius (1572-1621) et plus généralement à la naissance de l’orgue baroque en Allemagne. Une nouvelle production est prévue pour 2013 mais il est encore prématuré d’en parler. Je peux simplement dire à ce stade qu’il s’agira d’une nouvelle collaboration avec  Jean-Charles Ablitzer.

Quant au développement du festival, il me semble essentiel que nous nous consacrions à promouvoir les ensembles de la nouvelle scène baroque en défendant avec force les programmes innovants qui naissent chaque année à Musique et Mémoire. À cet effet, nous allons, dès 2013, lancer des partenariats avec quelques festivals pour permettre une diffusion plus large de certains projets artistiques, tout en préservant le travail de fond sur le territoire régional en associant les acteurs de la musique ancienne présents en Franche-Comté, grâce, entre autres, à la présence régulière de l’ensemble Correspondances. Je ne peux qu’encourager vos lecteurs à venir découvrir dès cet été le festival Musique et Mémoire qui comblera, j’en suis certain, leur goût pour une aventure musicale et humaine placée sous le signe de l’inattendu et de l’authenticité.

Propos recueillis en juin 2012 par Jean-Christophe Pucek

La programmation complète de l’édition 2012 du festival Musique et Mémoire peut être consultée ici.

Accompagnement musical :

1. Michael Praetorius (1572-1621), Summo Parenti gloria, extrait du recueil Hymnodia Sionia (1611)

Jean-Charles Ablitzer, orgue Hans Scherer de Tangermünde, 1624
  

Pro Organico, 1 CD Alpha 114. Incontournable Passée des arts. Ce disque peut être acheté en suivant ce lien.

2. Antoine Boësset (attribué à, 1587-1643), Magnificat

Ensemble Correspondances
Sébastien Daucé, virginal, orgue & direction

L’Archange & le Lys, 1 CD Zig-Zag Territoires ZZT 110801. Incontournable Passée des arts (chronique ici). Ce disque peut être acheté en suivant ce lien.

3. Samuel Scheidt (1587-1654), Ist nicht Ephraim mein treuer Sohn (Geistliche Concerten, Halle, 1635)

Vox Luminis
Lionel Meunier, basse & direction

Sacræ Cantiones, 1 CD Ricercar RIC 301. Incontournable Passée des arts (chronique ici). Ce disque peut être acheté en suivant ce lien.

Illustrations :

Affiche du festival Musique et Mémoire 2012 : Françoise Cordier, La Musica, pastel à l’huile sur papier, 2012

La Rêveuse, basilique Saint-Pierre de Luxeuil-les-Bains, édition 2011 © Nicolas Maget pour Musique et Mémoire

Ensemble Correspondances, basilique Saint-Pierre de Luxeuil-les-Bains, édition 2011 © Nicolas Maget pour Musique et Mémoire

La Colombina, église de Servance, édition 2010 © Nicolas Maget pour Musique et Mémoire

Concerto Soave, église de Servance, édition 2011 © Nicolas Maget pour Musique et Mémoire

Certaines initiatives heureuses peuvent naître d’une incompréhension, d’une colère. Depuis plus de cinq ans, Bernard Hasquenoph est passé maître dans l’art d’appuyer là où ça fait mal dans les musées et lieux patrimoniaux français. Son souci ? Que ces institutions remplissent pleinement leur mission de préservation et d’éducation au profit du plus grand nombre. Une démarche courageuse matérialisée par Louvre pour tous, qui utilise avec efficacité les ressources des nouvelles technologies pour le bonheur des visiteurs et l’agacement des mandarins. Bernard Hasquenoph a eu la gentillesse de répondre à quelques questions pour les lecteurs de Passée des arts, ce dont je le remercie.

François Auguste Biard (Lyon, 1798-Fontainebleau, 1882),
Quatre heures au Salon dans la Grande galerie du Louvre, 1847.
Huile sur toile, 57 x 67 cm, Paris, Musée du Louvre.

Jean-Christophe Pucek : Bernard Hasquenoph, vous avez créé Louvre pour tous à la fin de l’année 2004. Pourriez-vous nous expliquer brièvement les raisons qui vous ont amené à prendre cette initiative ? Quel est votre rapport personnel aux musées et, plus largement, à la culture ?

Bernard Hasquenoph : Initialement, j'ai voulu protester contre la suppression par le Louvre de la gratuité pour les artistes. Outre le fait que cela me concernait personnellement en tant que graphiste, venant du plus grand musée d'art au monde, je trouvais la mesure absurde, encore plus quand j'appris qu'historiquement le Louvre avait été créé en priorité pour les artistes, puis ouvert à tous sur le principe de gratuité. Puis, j'ai découvert que l'établissement public avait supprimé d'autres gratuités catégorielles, à l'origine instaurées comme des outils de démocratisation culturelle, quand, dans le même temps, les salariés d'entreprises mécènes entraient, eux, sans payer. J'ai voulu donner à ma voix une dimension collective, d'où le lancement de Louvre pour tous sur Internet avec une pétition vite devenue internationale, ce qui m'a surpris. Avec d'autres organisations, nous avons manifesté et obtenu le rétablissement de la gratuité au moins pour les artistes. Cet épisode m'a ouvert les yeux sur la manière dont sont gérées maintenant ces grandes institutions publiques, par certains aspects de plus en plus comme des commerces, ce qui crée inévitablement des conflits avec leurs missions de préservation et d'éducation. J'ai continué par la suite à m'intéresser à l'arrière-cuisine des musées, pas seulement du Louvre : leur fonctionnement, leurs ressources, les questions de tarifications, etc. En fait, tout ce que le visiteur ne voit pas et que la presse, en général, ne montre pas, donnant une image assez désincarnée de ces temples de la culture.

Avec la gratuité, j'ai découvert un autre rapport au musée, sans l'obligation de voir le maximum de choses pour rentabiliser ma visite. Cet avantage m'a incité à fréquenter plus régulièrement les musées, en premier le Louvre, à m'y promener, m'y perdre, me laisser surprendre. C'est un engrenage salvateur. Finalement, j'ai découvert que la gratuité induisait un rapport plus qualitatif à l'œuvre et c'est pour cela que j'y suis plutôt favorable. Mais, en attendant, je ne comprends toujours pas pourquoi, en Ile-de-France, là où se concentre un si grand nombre des musées et monuments, il n'existe pas encore un Pass annuel, comme c'est le cas à la semaine pour les touristes ou dans certaines villes en région. Mon rapport personnel à la culture est assez monomaniaque. Quand je m'intéresse à un sujet, un artiste, une période, je veux tout savoir. Mais je suis capable aussi de m'intéresser à ce que je n'aime pas, juste par fascination pour un phénomène. Pour moi, la culture est avant tout une affaire de curiosité, au-delà du goût personnel.

J.-C. P. : Chiffres record pour l’édition 2010 des Journées européennes du Patrimoine, immense succès annoncé pour l’exposition Monet du Grand Palais d’une part, musées devant se battre pour subsister, place infime réservée à la culture dans les médias de l’autre, comment ressentez-vous cette dichotomie ? Quelle est, selon vous, la situation actuelle des musées et lieux patrimoniaux en France ?

B.H. : Il y a une pression de plus en plus forte sur les sites patrimoniaux et les musées publics pour les pousser à subvenir à leurs besoins. Solidarité et mutualisation des moyens disparaissent pour laisser place à une mise en concurrence désastreuse, on remplace le devoir de s'ouvrir au plus grand nombre par l'obligation de faire du chiffre, accroître la fréquentation devient une obsession, uniquement pour augmenter les recettes de droits d'entrée : c'est une logique d'Audimat qui prédomine. Et, au final, ce sont les gros paquebots qui en profitent, captant toute l'attention, l'essentiel du mécénat, et engrangeant des recettes substantielles, au détriment des « petits » musées qui restent dans l'ombre et n'ont plus que leurs collections pour pleurer. Les médias ne parlent des musées que sur un mode événementiel et promotionnel, sans trop de critiques, peut-être parce qu'ils en sont souvent partenaires. La télévision a certainement un rôle à jouer, on le voit avec, par exemple, l'émission populaire Secrets d'Histoire, sur France 2, qui permet de découvrir, en marge de lieux très connus, d'autres qui le sont moins.

J.-C. P. : Outre le Louvre, un de vos chevaux de bataille majeurs est le Château de Versailles. Quel regard portez-vous sur l’évolution de la gestion de ce lieu emblématique ?

B.H. : C'est le symbole de pas mal de dérives. D'un monument historique porteur d'une grande partie de la mémoire de notre pays, il n'est pas loin de ressembler à un parc à thème avec un Louis XIV  roi de la fête et une Marie-Antoinette reine du glamour. Le site est certainement mieux entretenu que jamais, mais à force de le restaurer comme on le fait, il va bientôt ressembler à ces villages de charme du Sud qui donnent plus l'impression de se promener dans des maquettes grandeur nature que dans des lieux chargés d'histoire. À Versailles, on continue d'appliquer la théorie de Viollet-le-Duc comme si la Charte de Venise n'avait jamais existé. On pioche dans l'incessante transformation architecturale du château pour reconstituer ce qui nous arrange, pour plaire au goût du jour, ou pour des simples questions de logistique comme l'escalier Gabriel qui n'a jamais existé ou la grille Royale réinterprétée. Il n'est pas anodin de remarquer qu'on tire aujourd'hui le château vers le style baroque alors qu'il a toujours été considéré comme le temple du classicisme. Actuellement, on veut voir en lui un monument du bling-bling brillant et festif, alors qu'il y a cent ans, le domaine était perçu comme un vaste cimetière gris et mélancolique. Comme l'a montré l'historien Franck Ferrand, depuis la Révolution chaque époque se projette sur Versailles, qui s'offre en miroir de nos obsessions. Mais il reste toujours le lieu des ambitions personnelles, des egos surdimensionnés, de la courtisanerie, de la communication-propagande et, depuis peu, un laboratoire pour tous les abus en matière tarifaire, avec l'assentiment des pouvoirs publics et du ministère de la Culture.

J.-C. P. : Le travail documenté que vous menez sur ce type de dossier ainsi que les positions que vous prenez vous valent-elles quelques inimitiés ? Parvenez-vous, malgré tout, à conduire vos actions sans rencontrer trop d’embûches ?

B.H. : Je me fais surtout des amis, de plus en plus, parmi les visiteurs, les employés jusqu'à de hauts responsables, aussi bien dans les musées qu'au ministère. Mais c'est un monde tellement fermé que presque personne ne s'exprime publiquement. Je ne cherche pas spécialement à me faire des ennemis mais, apparemment, j'en agace plus d'un. Difficile de critiquer un système sans s'en prendre à ses acteurs, mais je n'en ai après personne en particulier. J'ai, bien sûr, des convictions mais j'essaie de faire un travail de recherche le plus honnêtement possible, sans tronquer les documents que j'utilise. Je n'invente rien et je me rends le plus souvent sur le terrain, j'observe et je constate. Et on me facilite de plus en plus le travail en m'envoyant des infos, au point que je n'arrive même pas à tout traiter.  Je suis désolé si souvent le résultat de mes enquêtes ne correspond pas à la communication officielle des établissements ou à ce qu'on peut lire dans la presse...  C'est sûr qu'il serait plus facile pour moi de faire un blog complaisant, de rester à la surface des choses, et d'être invité partout. Chacun son truc.

J.-C. P. : Louvre pour tous, en plus de son site, est présent sur des réseaux sociaux tels Facebook ou Twitter. Ces moyens de diffusion de l’information vous semblent-ils efficaces ? Avez-vous une idée du public que vous parvenez à toucher ?

B.H. : Un site Internet est par essence statique et ne fait que recevoir des visites. Les réseaux sociaux permettent de nouer un dialogue avec tout un tas de gens beaucoup plus facilement, d'y faire des belles rencontres comme avec vous, d'être réactif par rapport à l'actualité, de créer une communauté d'esprit où l'on partage les mêmes centres d'intérêt, un peu les mêmes valeurs et surtout de briser les barrières géographiques, Paris/Province, France/International, etc. « Mon public » oscille entre le grand public qui recherche des informations sur tel ou tel musée et un public plus spécialisé, amateurs passionnés et professionnels, qui a une idée de la culture, je pense, plutôt ouverte.

J.-C. P. : Enfin, quels sont vos projets pour les mois à venir ?

B.H. : Je suis en train de refaire mon site graphiquement, je me suis constitué en auto-entreprise comme éditeur de presse pour essayer de me donner les moyens économiques de me développer, j'y passe tellement de temps. Les annonceurs de pub sont donc les bienvenus. Sinon, les projets ne manquent pas : des livres en chantier, une association sur le modèle de la Ligue des Usagers Culturels (LUC) en Belgique à laquelle participe Bernard Hennebert de Consoloisirs.be, lequel m'a gentiment demandé d'écrire la préface de son prochain livre sur les publics des musées, qui doit sortir bientôt.

Propos recueillis par Jean-Christophe Pucek en octobre 2010.

Le site de Louvre pour tous est accessible en suivant ce lien. La page d’accueil du site permet également de suivre son actualité sur Facebook et Twitter.

Accompagnement musical :

Jean-Baptiste Davaux (1742-1822), Symphonie concertante en sol majeur pour deux violons principaux, mêlée d’Airs patriotiques (publiée en 1794) :
[III] Allegro moderato

Werner Ehrhardt & Andrea Keller, violons
Concerto Köln

La prise de la Bastille. 1 CD Capriccio 10 280. Ce disque peut être acheté en suivant ce lien.

Illustrations complémentaires :

Pierre Drahonet (après 1766- après 1817), Démolition du pavillon du bout de l’aile vieille sur les cours d’honneur du château de Versailles, 1814. Gouache sur papier, 46 x 38 cm, Versailles, Château.

Photographie de Bernard Hasquenoph © Bernard Hasquenoph.

Artisans de l’ombre, les éditeurs discographiques sont, la plupart du temps, totalement inconnus du grand public, alors que nombre d’entre eux mènent un travail remarquable en permettant à de jeunes artistes de se faire connaître et en révélant souvent des répertoires peu fréquentés. Depuis sa création en 2004, le label Ramée a acquis une réputation d’excellence en se distinguant par le soin extrême apporté à la réalisation de ses disques, qu’il s’agisse des enregistrements eux-mêmes, mais aussi des pochettes, livrets et même de la texture de leur emballage. Rainer Arndt, directeur de Ramée, a eu la gentillesse de répondre à mes questions et je l’en remercie chaleureusement, ainsi que Catherine Meeùs, sans la bienveillance de laquelle cet entretien n’aurait certainement pas pu voir le jour.

Jean-Christophe Puček : Rainer Arndt, à l’instar de nombre d’éditeurs discographiques, le grand public ne vous connaît pas ou peu. Pourriez-vous nous parler de votre parcours personnel et professionnel avant la création de Ramée ? Quelle place la musique tenait-elle dans votre éducation ou votre héritage familial et quelle est la sienne aujourd’hui ?

Rainer Arndt : Mes parents ne sont pas musiciens mais très mélomanes. J'ai toujours été très attiré par la musique, que l'on écoutait beaucoup à la maison, et, tout petit déjà, je passais des heures devant le tourne-disque. J'ai le souvenir qu'à l'âge de 4 ans, les Romances pour violon de Beethoven m'ont marqué au point de décider alors d'apprendre le violon. Par ailleurs, j'ai toujours été passionné par les techniques d'enregistrement. À 18 ans, j'ai envisagé de faire des études d'ingénieur du son, mais en Allemagne de l'Est il fallait, pour ceci, pouvoir très bien jouer du piano, ce qui n'était malheureusement pas mon cas. Pour la même raison, je n'ai pu étudier la musicologie. J'ai donc entamé des études de violon "moderne" et de composition avant de me tourner vers la musique baroque. Après mes études, achevées auprès de Sigiswald Kuijken à Bruxelles, j'ai joué dans différents ensembles de musique ancienne en Europe. C'est un peu par hasard que j'ai commencé à faire de la prise de son de manière professionnelle : j'ai un jour donné un coup de main à un ami directeur de label – Sebastian Pank de Raumklang – qui savait que je le faisais pour mon plaisir, et cela s'est tellement bien passé que nous avons décidé de continuer à travailler ensemble de façon plus soutenue. Après cinq ans de travail pour Raumklang et différents autres labels, j'ai fondé Ramée en 2004. Après avoir longtemps hésité, le travail pour Ramée devenant de plus en plus prenant, j'ai finalement décidé en 2007 de cesser mes activités professionnelles de violoniste.

J.-C. P. : Alors que de nombreux observateurs prophétisent, depuis quelques années, la mort du disque, il faut être ou un peu inconscient, ou vraiment passionné pour se lancer dans l’aventure que constitue le lancement d’un nouveau label. Quelles sont les raisons qui vous ont conduit à fonder Ramée, qui plus est à une période a priori aussi peu favorable à ce type d’activité ?

R.A. : Alors que je travaillais pour différentes maisons de disques, de plus en plus d'artistes ont manifesté le désir de travailler avec moi. J'ai d'abord réfléchi avec Sebastian Pank à l'idée d'ouvrir une collection au sein de Raumklang, mais cela n'a pas pu être concrétisé ; j'ai alors décidé de fonder mon propre label. J'étais alors absolument conscient de la situation difficile du marché, mais le plaisir que je retirais de ce travail était si grand et la collaboration avec les musiciens tellement enthousiasmante que je voulais nous offrir, aux musiciens et à moi-même, une plate-forme permettant la réalisation de tous ces projets intéressants. Mais il était très clair que ce ne serait qu'avec un produit hors du commun que l'on pourrait se faire remarquer.

J.-C.P. : Vous assumez, outre les fonctions de producteur, celles de preneur de son et de directeur artistique, un modèle qui fait penser, par exemple, à celui de Jérôme Lejeune, le directeur du label Ricercar. Auprès de qui avez-vous appris ces différents métiers ? De quelles autres personnes l’équipe de Ramée se compose-t-elle et de quels moyens disposez-vous pour soutenir et développer votre activité ?

R.A. : J'ai appris la prise de son sur le tas, d'abord en m'enregistrant moi-même ou mes propres ensembles de musique de chambre, puis en observant les preneurs de son lors des enregistrements auxquels j'ai participé comme violoniste. En outre, la composition nécessite une oreille intérieure qui aide sans aucun doute à la conception d'images sonores. Ma formation de musicien m'a forgé l'oreille nécessaire au rôle de directeur artistique et mon expérience de violoniste m’a permis de saisir au plus près les dynamiques et de gérer l'énergie physique et psychologique des musiciens au cours de l'enregistrement.

J'ai, dès le départ, travaillé avec Catherine Meeùs, ma femme, également violoniste, qui s'occupe d'un tas de choses : du site Internet, de certains montages, de la mise en page des livrets, des traductions vers le français et d'une partie de la logistique. Notre graphiste depuis le début, Laurence Drevard, est une part importante de l'âme de notre label. Aujourd'hui, une grande partie des premiers montages est réalisée par Marcin Lasia et les traductions sont assurées par Will Wroth vers l'anglais et par Franziska Gorgs vers l'allemand. Nous avons fonctionné "en autarcie" jusqu'ici : nous ne sommes ni subventionnés ni sponsorisés, sauf rares exceptions de coproductions.